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南部真里氏によるアルバム解説 - 5 Dec.

　宮沢賢治の「銀河鉄道の夜」と太宰治の「走れメロス」という教科書でも目にするふたつのよく知られた小説を題材にした長尺の２曲「stella」「write once , rum melos」を収めたセカンド・アルバム『program music I』で、kashiwa daisukeはエレクトロニカ以降の音楽に残された可能性のなかで、どのような音楽を作り、どう作家性と折り合いをつけるかという課題に挑戦したのだろうか、それとも、あの孤高の音楽の構築物とでも呼ぶべき作品を（「一夜にして」という形容がふさわしいほど）涼しい顔をして作りあげたのだろうか、と思いながら、私は２作目から一年半ぶりに到着した新作の試聴盤をトレーに入れプレイボタンを押した。

　ファースト『april.#02』と同じく、日付を意味する記号だけをタイトルに冠したサード『5 Dec.』は点描的なピアノが情景を喚起する「Red Moon」ではじまり、不穏な磁場を醸成したと思うと、２曲目の「Requiem」でそのムードを遮断する展開をみせる。いや、それは遮断ということではなく、「Red Moon」の空気のなかの「不穏」さが飽和点を越え滴りおちたとでもいえばよいか、それとも押さえつけた感情の底で渦を巻く激情を描写したとでもいえばいいのか、ポスト・エイフェックス・ツイン的なブレイクコアのトラックが急激に分裂と増殖を繰り返し、歪んだ音色のギターがその上をメタリックなスケールで上昇〜下降する「Requiem」はまるで、周囲には唐突でも主体にとっては必然的な感情の顕れを意味すると同時に、悲しみと怒り、静けさと激しさ、美しさと醜さは同じものを指す形容詞の裏と表にすぎないと、音のコントラストで語っているように思えた。ジャジー・ブレイクにジミヘンの亡霊が迷いこんだような「Bogus Music」、エラーを起こしたドラムンベースに乱反射するメロディをのせた「Taurus Prelude」、サイケデリック・ブリープ・ハウスとでも呼びたくなる「Black Lie , White Lie」とつづく５曲は10曲が収められた『5 Dec.』の前半のひとまとまりに、折衷主義的な方法論が通底していることを意味し、何度か書いたギターというロック・バンドのアイコンである楽器がここでは重要な意味をもってくる。kashiwa daisukeが福岡のyodakaというポストロック・バンドのメンバーであったことはファンにはよく知られていることだが、フロア（ダンス）とベッドルーム（リスニング）の対比で語られてきたIDM（インテリジェント・ダンス・ミュージック）としてのエレクトロニカに身体性を強調するやり方でエレクトリック・ギターを折衷した『5 Dec.』の前半はパーソナルなマス・ロックとも形容できるものだし、構造物としてはゴチックな、ダリオ・アルジェントとゴブリンが映画と音楽を補完させながらやろうとしたことを、ゼロ年代の磁場に移しかえたと穿ってみることもできる（あれほどあからさまな感情の強要はないのだが）。

　kashiwa daisukeは６曲目の「Silver Moon」でギターからラップトップへ持ちかえ、後半では一転して電子音響とピアノの禁欲的な響きを前に出し、つつましく不安定な室内楽めいた７曲目の「Broken Device」の２曲で前半との対比を強調する。弦楽曲調の「About Moonlight」はストリングスのフレーズが電子音響のエラー音と干渉し、中盤にピークポイントを置いた『5 Dec.』はここから終点に向かい加速し、「Beautiful Sunday」と題名を付された10曲目はその曲名を踏みにじるように、SUN O)))とマシンビートが合体したような鈍い残響を残し消えるのだった。

　『5 Dec.』はなにかのモチーフがあった前作に比べ、外部化した入り口がわかりやすく設けられているわけではない。しかしこうして全体を俯瞰すると、kashiwa daisukeにとって音楽を作る行為は音の重なりと連なりから構成（コンポジション）を抽出する作業なのではないかと、私には思える。kashiwa daisukeの作曲方法を実際に本人にたしかめたわけではないのでわらかないが、彼は何段かになった譜面の一意的な把握を無意識に行っており、それは聴覚のレンジを、ギターを弾くこと／ソフトウェアを操作することにおける身体を、引き裂く真逆のベクトルとして顕れる、もしくは彼自身がそう仕向けている。引き裂かれたふたつの傾向は一方が他方を駆逐するのではなく、『5 Dec.』に鏡像のように映りこんでいる。

　もっとも映りこんだ先は割れた鏡なのかもしれないのだけど。

南部真里

手使海ユトロ氏によるアルバム解説 - program music I

　アコースティックバンドのサウンド、ヴィジュアルは40年前のビートルズと大きな変化はない。それなりに暗中模索し試行錯誤しているのであろうが、古典的伝承芸能の域に近づきつつあるようにすら思える。大衆性のあるメロディーは恐らく20世紀に枯渇した。ミュージッククリエイター達は様々な方位にベクトルを求め、感性を研ぎ澄まし醸成し産み出し続けているが、多くはアヴァンギャルドという偏見の一言で片付けられ、実験的と評価されて埋没してゆく。その中で、テクノロジーの進化とアンビエント音楽の定着こそが現代音楽の革命的進展と言えよう。そんな現代音楽の新しい担い手、Kashiwa daisukeの新しいアルバムが完成した。

　このアルバムの２つのトラックは夫々小説をモチーフにしてはいるが、彼本人が「物語りに添って発想したサウンドトラックではない」と語っているように、Kashiwa daisukeというフィルターを通過する事でその向こう側に新たな映像感、ストーリィが更に拡がっているように感じる。エレクトロニカとアコースティックの混在を駆使したプログレッシヴな構成は、古典的編成のオーケストラに頼らずとも十分に壮大なドラマ、テーマを構築出来る可能性を提起し証明している。恐らく彼の感性は音階、ビート等といった一般的な音楽の構成要件以外に独自の座標軸を潜在的に持っているのではないだろうか。

　特に「Stella」は「銀河鉄道の夜」をモチーフに創られているが、僕にはむしろダンテの『神曲』の「煉獄の章」の「Tre Stella（3つの星）」を彷佛とさせる。映像感のある音なのではなく、恐らく音風景、音物語そのものなのであろう。

　近い将来、Kashiwa daisukeはもっと遠大なテーマにインスパイアされて、nobleレーベルの基本理念である「日常の為の音楽」の旗印となり、肯定的意味合いでの商業性も過不足なく加味され、音楽史にその名を刻印する作品を更に創出するであろう予感を痛感した。

2007/Jul.　手使海ユトロ

松山晋也氏によるアルバム解説 - program music I

　様々な新しい楽器やエフェクターの開発、録音機器や編集機器の廉価化などを背景に、90年代以降、エレクトロニク・サウンドの大衆化とヴァリエイションの拡大は急速に進んだ。今や電子音は、生楽器と同じような手つきで扱われ、生楽器と完全に同じ地表で鳴り響いている。電子音と生楽器の調和も、ますます深まっている。両者をいかに自然に一体化させ、オーガニックな世界を作り上げるかは、エレクトロニカ～ポスト・ロック、更にその後の流れに限らず、ポップ・ミュージックにおける主要テーマの一つと言っていい。

　といった趨勢に鑑みても、kashiwa daisukeのこの新作『program music I』は、まさにジャスト・ミートであり、更にその先をも射程に捉えた作品だろう。

　kashiwa daisukeは、福岡を拠点とするポスト・ロック・バンドyodakaのギタリスト／コンポーザーとして活動した後、ソロに転向し、2006年にドイツのレーベル〈onpa〉から１stソロ・アルバム『april.#02』をリリースした。そこでのデモ・トラックが、坂本龍一のラジオ番組「RADIO SAKAMOTO」の中で激賞されたことも、彼の名を世に広く知らしめるきっかけになったようだ。確かにkashiwa daisukeの作るサウンドと坂本の音楽は、ノルタルジックでややオリエンタルなメロディが多いこと、全体に映像的な感触が強いことなど、共振する部分が少なくない。kashiwa自身も「やはり無意識のうちに影響はかなり受けてるかなと思います」と語る。が、実際に彼の現在の制作スタイル／スタンスのきっかけと基盤になったのは、イタリアの伝説的ノイズ・アーティスト、マウリツィオ・ビアンキ（ＭＢ）との出会いだった。

　「ＭＢの音楽を初めて聴いて、音楽（表現）ってこんなにも自由なんだと改めて気づかされたんです。それまでは、音楽やるならバンド、バンドなら歌モノ（５分）って固定観念が染みついてて、全然疑問を感じてなかったんですが、ＭＢを聴いて、全然目立った展開もないし、もちろん歌もないし、長いし、何だこれは？って思うと同時に、自分の中で何かが覚醒した感じがありました。表現ってのは自由で、自分の好きなことを自分のやりたいようにやればいいんだってあたりまえのことに、その時初めて気づいたんです。それから過去の曲も全部捨て、インストにして、バンド名を変えて（これがyodaka）再出発しました」

　そして、yodakaでの新しい表現をより深く追究せんと、ソロ活動に転じた彼が、前述の『april.#02』に続く新作として発表したのが、今回の『program music I』というわけだ。

　この新作は、生楽器とコンピューターやサンプラー等のエレクトロニク機器の大半を自身で演奏、編集するというベーシックな制作スタイルは前作と同じだが、アレンジのヴァリエイションがより広がり、アンサンブル全体が、かなりダイナミックかつドラマティックになっている。そして何よりも大きな特徴は、これが「銀河鉄道の夜」と「走れメロス」をモティーフにした（１曲目「stella」が「銀河鉄道の夜」、２曲目「write once, run melos」が「走れメロス」）、一種の標題音楽となっている点だ。アルバム・タイトルも、ずばりそのものだし。これについて、本人はこう語る。

　「テーマとして前作は自分の内側のイメージを主に表現しましたが、今作はテーマになる物語を選ぶことで、聴き手に楽しんでもらえるよう意識しました。小説をモティーフにした理由は、皆が知っている物語を音で表現してみたいといった思いからです。でもそれは、決してその物語のサウンドトラックという補佐的な意味ではない。音楽そのもので積極的に物語を表現することで、原作を知らない人が聴いても、原作の世界観や登場人物たちの心情が伝わればとても楽しいなと思います。サウンドトラックだと、物語に合わせて音を作りますが、それとはちょっと別の発想です」

　90年代以降の様々な新しい音楽を経た手法と編集テクニックを駆使しつつも、70年代のプログレッシヴ・ロックや19世紀のロマン派音楽にも通するドラマ性豊かな世界。クールなたたずまいの一方でむせ返るようにエモウショナルなこの音楽には、ポスト・ロック以後の様々なヴィジョンが見え隠れしている。

松山晋也（音楽評論家）